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서울에서 길을 잃다’ 1st Project of Now_in_Seoul

2010.5.19()~31() / 24() 휴관

 

전시작가: 곽철원, 고민찬, 김영경, 김윤경 (객원 큐레이터: 윤두현)

전시장소: 가회동60 / 11:00am – 7:00pm

오프닝 리셉션: 2010.5.19() 5:00pm

후원: 가회동60, ()역사문제 연구소, 서울 메트로, 서울 디자인 센터, 협찬: ㈜ 아트섬


     김윤경_계동140-44_Breathing house, 혼합매체, installation(가변적 설치), 2010


기획의도
Now _in _Seoul 의 첫 번째 프로젝트는 회화, 설치, 사진, 디자인의 각 분야에서 활동하는 네 명의 작가( 곽철원, 김윤경, 김영경, 고민찬) 들이 그들이 거주하고 활동하고 있는 서울이라는 명칭을 가진 공간을 탐구하며 그 이미지를 시각화 시키는 작업을 시도한다. 공공성과 지역성에 주목하며 집단의 공유를 강조하기 이전에 내가 살고 있는 도시의 현상이 나의 작업 안에서는 어떻게 표출되는지가 이 프로젝트의 첫 번째 과제이며, 그러기 위해 네 명의 작가는 길을 잃기로 혹은 지워가기로 한다. 그 혼돈의 상황 속에서 새로운 방식의 길 찾기를 위해 작가들은 작업 과정 안에서 매일의 일상을 되새겨 보며 그 안에서 도시의 숨겨진 얼굴들을 찾으려고 하였다. 이러한 과정 중에 서울은 단지 지역 명이 아닌 작가들의 진정한 활동 무대가 될 수 있는 사유의 장이 되었다. 도시 자체의 생성과 소멸은 의식적으로든 또는 무의식 적으로 우리의 일상에 미묘한 변화를 가져다 주며 그러한 미세한 흔들림을 포착하기 위해 기획한 것이 이번 전시의 의도라고 할 수 있겠다.





     곽철원_Being_Lost, Acrylic on Canvas, 240x135cm, 2010



전시글

 

서울은 익숙한 듯 낯설다 또는 혼란스러운 듯 조화롭다. 이른바 격변의 역사를 지나온 서울은 그 자체로 역사의 총체적 흔적들을 온 몸에 아로새기고 있다. 그리고 이는 싫든 좋든 우리의 현재를 대변하는 얼굴이다. 그것은 때로 첨예화, 기형화된 욕망의 총화이기도 하고, 이로써 또한 열정적 에너지를 용출하는 용광로이기도 하다. 본 전시는 그 같은 인식을 바탕으로 이뤄지는 서울이라는 특정 공간에 대한 다시 보기라고 할 수 있다. 바꿔 말해 이 도시에 담긴 다양한 표정을 읽어내고자 하는 시도다. 그 표정이란 좋은 쪽으로든 나쁜 쪽으로든 이미 드러난 것일 수도 있고, 새롭게 발견되는 것일 수도 있다.

 

아울러 서울이라는 공간을 다시 바라봄에 있어 거닐기길 찾기가 아니라 길을 잃다를 그 방법론으로 정했다. 참여작가는 곽철원, 고민찬, 김영경, 김윤경 등이다. 이들은 회화, 디자인, 사진, 설치 등 각각의 형식 언어로써 서울이라는 특정 공간을 사유한다. 기획의 측면에서 작가들에게 요구된 것이 있다면, 각자 기존에 행해왔던 작업 스타일과 방향의 맥락 안에서 서울에 대한 개개의 사유를 심화 시켜나가는 것이다. 하여 네 작가의 형식이나 장르가 상이한 것만큼 다채로운 시점내지 관점을 유지할 것이다.


 

곽철원은 공간에 대한 심리적 풍경을 재구성한다. 추상적이고 모호한 꿈으로부터 비롯되는 그의 작업은 사막, 그림자, 사막을 걷는 인물 등으로 단순화하고, 상징화한다. 이번 출품작 역시 그 연장선 상에 자리한다. 작가는 서울이라는 도시공간, 구체적으로는 양화대교 위를 오가는 동안 안개 낀 한강을 바라보면서 느꼈던 감정을 투영시키고 있다. 대체로 사막에 드리운 나무 그늘과 누드의 여인이 그려내는 감정이란 불안과 위로의 교차다.





     고민찬_‘The Way Out’  ver. 2.1.52010, digital print, 100x100cm, 2010




고민찬은 그래픽 디자이너다. 그는 인포메이션 디자인에 대한 관심과 함께 유학시절 런던 지하철 프로젝트를 진행했었다. 지하철의 환승(transfer)이나 출구(wayout)를 바로 찾아갈 수 있는 효율적 승차 위치를 원과 색채로 변환하여 시각화하는 프로젝트다. 이번 전시에서는 그 두 번째 시도로 서울 지하철의 일정 구간(서울매트로 관리구간)을 대상으로 동일한 작업을 진행한다. 지하철은 서울의 혈관이다. 그는 효율적인 동선에 대한 시각정보를 제공함으로써 보다 원활한 순환, 나아가 능동적인 소통의 가능성을 제시하고자 한다.


     김영경_get lost# 01, pigment print, 100x100cm, 2010


김영경은 시청, 동대문운동장, 서대문형무소 등 여러 프로젝트들을 통해 도시 건축물의 역사성과 조형성을 사진에 담아왔다. 그의 사진에서 주목할 점은 특정 건물이나 공간 자체의 역사성을 단순히 기록하는 데 그치지 않고, 조형성을 부여함으로써 일단의 미적 긴장을 끌어낸다는 데 있다. 북촌 골목의 밤 풍경을 담아낸 작품들 역시 동일한 맥락 안에 자리한다. 그는 과거현재’, ‘질서무질서가 혼재하는 북촌의 골목을 배회하며, 거기에 담긴 시간기억을 끄집어냄과 동시에 공간의 위태롭고도 생동적인 표정을 잡아낸다. 그리고 이는 그대로 서울이라는 도시 안에서 삶을 영위해 가고 있는 우리의 아릿한 자화상이다.

 

김윤경에게 옷은 제 2의 피부로 인식되고, 이는 안과 바깥, 나와 타자, 개인과 집단 등등 여러 대립항 사이의 경계로서 자리한다. 즉 그에게 옷은 경계를 넘나드는 상징적 통로이자 매개다. 이번에 작가는 유년의 아버지가 거주했던 계동 집의 과거와 현재에 주목함으로써 집이라는 공간을 피부의 연장선에 위치시킨다. 그는 먼저 당시 그 집에 살며 찍었던 가족사진 속 조부모의 옷을 중심으로 과거의 흔적들을 현재화한다. 나아가 흔적들의 일부분은 현재의 공간으로, 또 현재의 집 내부 사진이나 물건들은 전시장으로 옮겨 시공의 교차를 시도한다. 이로써 계동 140-44”라는 특정 공간으로부터 작가는 개인과 집단의 기억, 역사 등과 같은 다양한 사유의 가능성을 무대 위로 불러낸다.

기획 글. 윤두현(인터알리아 큐레이터)





곽철원 Kwak, Chul-Won

 

현 홍익대학교 대학원 박사과정(미술학)

Central Saint Martins College of Art and Design 대학원 졸업

 

런던 ‘The Coningsby Gallery’ ‘Zi-Zi Gallery’ 에서 2회 개인전

아시아 탑 호텔 아트페어 외 런던 ‘The Coningsby Gallery’ Will’s and Art Warehouse Gallery등 그룹전.

 

chulwonkwak@gmail.com

 

 

고민찬 Ko, Min-Chan

 

현 홍익대학교 대학원 박사과정(디자인학)

Central Saint Martins College of Art and Design 대학원 졸업

‘Cutting Edge 2008’ (Best Digital Designer’s International Exhibition)그룹전

‘We are Here.’ (London) 그룹전

 

minchanko@gmail.com

 

 

김영경  Kim, Yeong-Kyeong

 

홍익대학교 산업미술대학원 사진디자인 전공 졸업

갤러리 룩스, 가회동60에서 2회 개인전

신당창작아케이드 개관기념전, 서울시립미술관, 대안공간 루프, 공평아트센터, 충무갤러리 등의 그룹전

현 서울 신당 창작아케이드 입주작가.

 

Ykkim99@hanmail.net

 

 

김윤경 Kim, Yun-Kyung

 

홍익대학교 대학원 박사과정(조소전공) 수료

London Gold Smiths College Fine Art 석사과정 졸업

이화여자대학교 미술대학 및 동대학원 조소과 졸업

 

갤러리 인, 관훈갤러리 등 6회 개인전

서울시립미술관, 영은미술관, 예술의 전당, 이화예술센터, 런던의 Sassoon Gallery, Barge House, 주영 한국문화원과 영은미술관 창작스튜디오 5기 입주작가

 

londonyk@gmail.com  www.yunkyung-kim.com









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김영경_blend-polis#05_pigment print_80X172cm_2007





blend_polis

김영경 / KIMYEONGKYEONG / 金暎卿 / Photography

2009_0313 2009_0328

초대일시 2009_0313 금요일 오후6

관람시간 11:00am ~ 7:00pm / 월요일 휴관

 

가회동60 스페이스향리 GAHOEDONG60 SPACE HYANGLI

서울 종로구 가회동 60번지

Tel. +82.2.3673.0585

www.hyangli.com

 

 

 

blend_polis: 판타지와 폐허가 뒤섞인 도시

 

장다은 (미술 비평)

 

오늘날 건축은 자본주의를 유지 및 촉진시키기 위해 끊임없이 건설되거나 파괴되는 순환반복의 구조 속에 편입되어 있다. 이 구조 안에서는 모든 건축 공사가 2가지 범주로만 귀속된다. 도시 기획에 맞춰 새로이 지어져 판타지적 꿈을 확장시키느냐, 아니면 잊어버려야 할 과거로 철거되고 마느냐. 김영경의 사진에서는 이 두 가지가 혼재한다.

 

* 기록과 비판으로서의 건축 사진: 김영경 2003년부터 제작한 <blend_polis>연작은 줄곧 서울의 도시 풍경, 특히 곧 철거될() 근대 건축물에 관심을 쏟고 있다. 이번 전시에서 선보이게 될 주 대상은 동대문 운동장과 서울시청사이다. 특히 동대문 운동장 작업은 최근 철거되기까지 몇 년간 수차례의 용도변경이 있었는데 김영경은 몇 년에 걸쳐 그 내용을 작업 과정에 담고 있다.

동대문 사진 연작에서 눈여겨 볼 점은 일제 때 지어진 이 건물의 낡은 표면이 그 뒤에 솟아오른 화려하게 빛나는 밀리오레라는 현대 자본주의를 상징하는 상업건물과 사선으로 대비된다는 점이다. 이러한 사선대비는 오래전부터 김영경이 지속해온 조형적 장치이다. 그러나 초창기 사진이 교외에 버려진 건축 자재나 폐허의 풍경을 근경에 두고, 그 너머 아스라한 불빛과 대조시키면서 어딘지를 알 수 없는 추상적 공간을 표현했다면, <blend_polis>시리즈에서는 서울의 구체적인 랜드 마크를 주요 소재로 삼고 있다는 차이점이 있다. 이러한 변화는 그의 작업이 이전보다 현시대의 사회 문화적인 맥락에 좀 더 밀접히 다가섬을 암시한다.

자본주의 논리에 따른 건축물의 철거와 신축에 대한 비판적 시선은 이전의 작가들에게서 그 계보를 찾아볼 수 있다. 현대 미술에서 보자면, 우선 1950년대 유럽의 상황주의자들은 르 꼬르뷔제(Le Corbusier)의 기계미학을 도시의 환등상(Phantasmagoria)을 조장하는 것이라고 비판하며 그 이론적 정초를 다진 바 있다. 그리고 이를 바탕으로 1970년대 미국에서는 고든 마타-클락(Gordon Matta-Clark)을 선두로 한 ‘아나키텍쳐(Anarchitecture)’그룹이 폐허로 철거되는 건축물과 화려한 신축 건물-특히 월드 트레이드 센터에 주목-을 대비한 다양한 흑백 사진을 제작, 수집하였다. 좀 더 사진사의 맥락 안으로 들어가 이야기를 하자면, 1960-70년대 베허 부부(Bernd and Hilla Becher)의 유형학적 건축 사진은 비록 형식주의 미학이 강조되어 있긴 하나, 후기 산업시대에 폐기된 건물을 찍고 있다는 점에서 건축에 대한 사회 정치적 맥락을 제고한 점을 찾을 수 있다. 그리고 1970년대 로버트 아담스(Robert Adams)나 루이스 발츠(Lewis Baltz)등으로 대표되는 미국의 ‘뉴 토포그래픽스(New Topographics)’에서는 그 비판성이 훨씬 구체적이고, 증폭된다. 하지만 인간에 의해 건설된 구조물과 자연 풍경을 대비한 후자의 사진은 얼마간의 주관성과 미적 실험이 있다고는 하나, 기존 다큐멘터리 사진의 형식적 계보에 충실한 듯 8x10사이즈의 흑백 형식은 지나치게 엄숙한 측면이 있다.

* 서정적 밤풍경과 낯설게 하기: 김영경의 말대로 비판을 위해 꼭 스트레이트 포토나 딱딱한 흑백의 다큐사진을 고집해야할 필요는 없을 것이다. 그의 사진은 도시 건축에 대해 비판적 논지를 견지하면서도 초창기 작업부터 지속해왔던 서정성을 잃지 않고 있다. 특히 커다란 화면을 장식하는 화려한 색채로 두드러지는 그 서정성은 밤풍경을 촬영했다는 점에서 기인한다. 그는 한낮의 햇볕을 이용하거나 있는 그대로 대상을 사실적으로 표현하기 보다는, 도시의 기억과 호흡을 켜켜이 간직한 콘크리트 벽과 철 구조물을 아스라한 인공조명 아래 숨기듯 드러낸다.

그러한 어스름한 빛 속에서 건물의 전면이 드러나지 않은 채, 심플한 기하학적 구도 속에 편입된 동대문 운동장은 그런데 왠지 낯설다. 친숙해야 할 우리 주변의 풍경이 낯설게 다가오는 그러한 언캐니(uncanny)함은 그의 다른 작업에서도 찾아볼 수 있다. 특히, 텅 빈 공터 너머로 교회의 십자가와 함께 반짝이는 로봇처럼 서 있는 건물 사진, <blend_polis#02>(2003)는 우리가 마치 외계 세계에 온 것 같은 섬뜩한 느낌마저 들게 한다.

원래 이렇게 낯설게 하기는 그동안 많은 예술가들이 대상에 비판적 거리를 두도록 하기 위한 전략으로 자주 이용해왔다. 일례로, 안드레아스 구르스키(Andreas Gursky)의 쨍하게 깨질듯, 눈부신 조명으로 가득 찬 인적 없는 건물 사진은 매우 낯설게 다가온다. 화려한 빛은 너무도 유혹적이지만, 어딘가 비현실적인 기묘한 낯설음 때문에 우리는 그 공간에 무한정 빠져들 수만은 없게 된다. 이로써 자본주의의 화려한 스펙터클을 비판적 시선으로 바라보게끔 하려한 그의 의도는 성공하는 셈이다.

영경의 서울시청사를 담은 <blend_polis#05>(2007) 역시 기묘한 낯섦을 불러일으킨다. 특히 이 사진은 한국의 근대를 그대로 간직한 건물이라는 역사적 서사를 기반에 두고, 도시의 역사적 기억과 자본주의의 판타지적 욕망이 혼재하고 있는 양상을 그대로 드러내 보여준다. 새로운 도시 개발을 위해 이제 곧 일부 철거와 리모델링을 앞둔 이 건물은 주변의 현대 건축에 뒤지지 않으려는 듯, 도시 미관이라는 미명하에 화려한 조명으로 오래된 몸을 감추고 있는 광경을 연출하고 있는 것이다.

 

* 도시를 배회하기: <blend_polis> 연작은 서울이라는 도시의 복잡한 성격만큼이나 그 표현이 내밀하게 혼재되어 있다. 기록과 비판, 서정적 감수성과 동경이 은밀히 섞여 있는 것이다. 정부의 수주를 받고 도시 재개발로 철거될 건물을 기록하기 위해 집체만한 카메라를 마차에 싣고 다니던 19세기 파리 사진사처럼, 자본주의 논리로 치장된 화려한 도시 스펙터클에 균열을 가하기 위해 며칠 밤을 표류하던 상황주의자들처럼, 그리고 뉴욕의 서정적 밤풍경을 찾아 헤맨 현대 사진가 잰 스텔러(Jan Staller)처럼, 김영경은 요즘도 늦은 밤 서울의 구석구석을 돌아다닌다. 그리고 건물들을 찍는다. 그것이 기록을 위한 것이든 비판의 날을 세우기 위한 것이든 혹은 은연히 드러나는 개인의 서정적 향수를 충족하려는 것이든, 결국 김영경의 사진은 blend_polis로써의 서울, 그 자체를 온전히 드러내고 있다.

 

 

     김영경_blend-polis#03_pigment print_80X172cm_2007

 

     김영경_blend-polis#04_pigment print_80X172cm_2007

 

     김영경_blend-polis#02_pigment print_80X172cm_2007




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