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somewhere in moment


양대만 /YANGDAEMAN/ 梁大萬 / painting


2015. 3. 25 ~ 4. 7


Tuesday to Sunday 11am - 7pm

Closed on Monday / 월요일 휴관



가회동60_GAHOEDONG60

서울시 종로구 가회동 60번지

+82-3673-0585

www.gahoedong60.com

gahoedong60@gmail.com






양대만 _ Somewhere _ Oil on Linen _ 130.3 x 162.2 cm_ 2015







흘러가는 시간의 흐름 속에 파묻혀 느끼지도 못할 한 순간들을 살아간다.


지금껏 내가 기억하던 많은 순간들은 내게 얼마나 의미가 있던 순간일까.


의미를 부여받지 못한 살아있던 순간들은 기억의 뒤편에 숨어 있다가 

하나의 실마리로 다시 살아나기도 한다.


내가 기억하지 못하던 나의 순간들은 때론 다른 사람의 기억 속에 살아있다

내가 기억하던 한 순간의 느낌은 타인에겐 또 다른 느낌으로 기억되고 같은 공간

같은 사건과 시간 속에서도 다른 삶을 살아간다.









양대만 _ Somewhere _ Oil on Linen _ 130.3 x 162.2 cm_ 2015









지금 내가 바라보는 화면의 저쪽 편에 내 그림을 보는 전혀 다른 이의 감각이 

내 작품 위에서 서로 교차하며, 그 마주친 한 순간에 타인과의 공감이 일어난다. 

각자가 자신이 지나온 개인적 시간의 삶 이외에 서로가 공감한다고 착각할 만한 

교집합의 순간(시간)이 존재한다.


눈앞에 보이는 사실적이고 설명적인 장면이나 상()은 보는 사람에 따라 

서로 다른 의미로 해석되어 더 이상 객관적인 언어의 역할을 하지 못한다. 

반대로 추상적이라고 보여 지는 형상과 표현을 사이에 두고도 

전혀 다른 사람끼리의 말로 나누지 못 할 만큼 많은 공감이 이루어지기도 한다.


나의 작품은 어떤 이에게는 보이는 것만으로 인식할 수 없는 

추상적 형태가 되기도 하고

또 어떤 이에게는 인지할 수 있는 형상과 아무런 상관없는 

새로운 교감이 있기도 할 것이다.










양대만 _ Somewhere _ Oil on Linen _ 193.9 x 130.3 cm_ 2015







사실적이고 구체적인 것은 추상적, 상징적 의미를 지닐 때 비로소 가치가 있고

추상적인 작품은 표현의 구체성을 띨 때 공허해지지 않는다

보여지는 모습 그 자체로 인정받지 못하는 모든 작품의 형식과 상()들은 

떠도는 소문처럼 설득력을 가지고, 숨겨진 진실처럼 명확하게 보여진다.

 

나의 작품은 많이 본 듯하나 낯설고, 낯선 듯 익숙하다.

인간의 직관과 경험, 잠재의식 등 자신이 믿고 느끼는 모든 것은 

분명한 근거를 지니지만 설명하기란 쉽지 않다. (물론 나 역시)


내 작품을 통해 무엇이 보이는가

당신이 내 작품을 통해 느낀 경험과 내 의도와의 교집합은 

나에겐 잠재의식일 수도 데자뷰일 수도 있다

내 작품에서 갑작스럽게 직관적으로 느껴진 그 무엇은 

나에겐 지루한 일상의 단면일 수도 있고, 아무 의미 없이 떠오른 꿈일 수도 있다

내 작품 속에서 보여 진 모든 이미지들은 현실일 수도 있고 허상일 수도 있다

내가 보고 느끼는 모든 것의 근거를 밝히는 것은 그리 중요하지 않을 지도 모른다.


모호하고 공허한 그 속에 눈에 보이지 않지만 느껴지는 그 무언가가 

당신과 나의 말로 할 수 없는 공감일 것이며

그것은 분명 존재하고 있다.


2013. 6. 양대만






양대만 _ Somewhere _ Oil on Linen _ 91 x 116.8 cm_ 2015






 

나는 일상과 평행선으로 달리며 교묘하게 비껴있는 또 다른 현장을 보고 있다.


그 곳엔 피부로 느끼는 새로운 공기와 냄새, 벗어남에 의한 자유로움이나 

또 다른 감각이 있다.






 


양대만 _ Somewhere _ Oil on Linen _ 91 x 116.8 cm_ 2015






거대한 물결, 흐름 속에 명확히 규정짓거나 명명할 수 없는

어 떤 존 재.

 

2014. 11. 양대만








양대만 _ Somewhere _ Oil on Linen _ 27.5 x 65.0cm x 2pcs _ 2013







양대만 _ Somewhere_Oil on Linen _ 24.2 x 34.8 cmx 2pcs _ 2015







양대만


1993 홍익대학교 미술대학 회화과 졸업

 

개인전

2015 Somewhere in Moment (가회동60)

2012 Somewhere in Moment (가회동60)

 

단체전

2014 새로운 날 (조각보 갤러리)

2013 헬로우 문래 두들 (갤러리 두들)

2013 KASF_Korea Art Summer Festival (SETEC)

2013 At a Distance (갤러리 토포하우스)

2012 first 두들두들 (갤러리 두들)

2012 서울 모던 아트쇼 (aT 센터)

2012 WOW Vol.2 (갤러리 토포하우스)

2011 WOW Vol.1 Para-Phase (이앙 갤러리)

2010 열린공감 (예술의전당 한가람미술관)

2010 KASF_Korea Art Summer Festival (SETEC)

1999 의식의 확산 (서울시립미술관)

1997 오감도3(서남 갤러리)

1997 re-figure (덕원 갤러리)

1996 오감도2(관훈 갤러리)

1995 오감도1(갤러리 보다)

1994 의식의 확산 (예술의 전당)




Yang Daeman

1993 B.F.A. in Painting, College of Fine Art, Hongik University, Korea


Solo Exhibition

2015 Somewhere in Moment (Gallery GAHOEDONG60)

2012 Somewhere in Moment (Gallery GAHOEDONG60)


Group Exhibition

2014 The New Edge (Gallery Jogakbo)

2013 Hello Mullae Doodle (Gallery Doodle)

2013 KASF_Korea Art Summer Festival (SETEC)

2013 At a Distance (Gallery Topo House)

2012 first Doodle Doodle exibition (Gallery Doodle)

2012 Seoul Modern Art Show (aT Center)

2012 WOW Vol.2 (Gallery Topo House)

2011 WOW Vol.1 (Gallery IANG)

2010 Open Sympathy Exhibition (Hangaram Art Museum of Seoul Arts Center)

2010 KASF_Korea Art Summer Festival (SETEC)

1999 Spreading of Consciousness (Seoul Museum of Art)

1997 Ogamdo_Painting of the Five Senses_Vol. 3 (Seonam Gallery)

1997 re-figure (Dukwon Gallery)

1996 Ogamdo_Painting of the Five Senses_Vol. 2 (Kwanhoon Gallery)

1995 Ogamdo_Painting of the Five Senses_Vol. 1 (Gallery Boda)

1994 Spreading of Consciousness (Hangaram Art Museum of Seoul Arts Center)



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서울특별시 종로구 가회동 | 가회동60
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NOSTALGIA Ⅱ

최윤정展 / CHOIYUNJUNG / 崔允禎 / painting.photography

2009_0610 ▶ 2009_0624 / 월요일 휴관

 

최윤정_NostalgiaⅡ_캔버스에 유채_100×100cm_2009

초대일시_2009_0610_수요일_06:00pm

관람시간 / 11:00am~07:00pm / 월요일 휴관

가회동60_GAHOEDONG 60
서울 종로구 가회동 60번지
Tel. +82.2.3673.0585
www.gahoedong60.com



지난 해 오랜 기간의 공백을 깨고 조용하게 그러나 확실하게 보여준 최윤정작가의 Nostalgia에 이은 다음 이야기가 가회동60에서 계속된다. Nostalgia I 이 그녀에 내재하는 과거로서 구체적이지 않은, 막연한 그리움으로서의 향수를 보여주는 전시였다면 이번 전시는 만남으로서의 향수를 이야기 한다. 형식적으로는 photography와 painting의 만남이고, 내용상으로는 과거와 현재의 만남이다.


최윤정_NostalgiaⅡ_C 프린트_100×100cm_2009

우리의 미래가 현재로부터 비롯되듯 우리의 현재는 과거로부터의 결과이다. 시간으로부터 지배를 받고 있지는 않지만 인간이 시간이라는 개념을 만들어 사용하며 그 시간을 기록하기 시작한 시점에 이미 인간과 시간은 불가분의 관계가 되어 버렸다. 거창하게 인간사까지 들먹일 것도 없이 지극히 개인적인 각자의 삶 속에서도 시간이 가지는 흔적은 그 자신을 풍요롭게 혹은 빈곤하게 만들어 주는 이유가 되고 있으니 말이다.


최윤정_NostalgiaⅡ_캔버스에 유채_100×165cm_2009

최윤정_NostalgiaⅡ_photograhpy, oil on canvas_100×176cm_2009


최윤정은 자신의 과거로부터 쌓여온 관념으로서의 현재를 nostalgia로 이야기한다. 지나간 시간들로부터의 막연한 그리움이 현실적 고정관념과 만나면서 생기는 그 경계에 물리적인 틈은 있을 수 없다. 그러나 서로 넘나들면서도 경계라는 존재하지 않는 막으로 엄연히 분리되어 있어 혼용될 수 없음 또한 부정할 수 없는 사실이다.


최윤정_NostalgiaⅡ_photograhpy, oil on canvas_60×200cm_2009



보일 듯 가려진 틈 사이로 드러나는 내부와 외부의 경계, 끝없이 펼쳐진 망망대해에서 하늘과 바다가 만나며 이루어지는 모호하지만 분명한 경계, 원하면 언제든지 눈이 내리는 광경을 만드는 스노우볼과 현실 사이에 유리로 만들어지는 투명한 경계, 분리되어 있다고도 - 통해있다고도 할 수 있는 개인적 공간을 만들며 포근한 추억 속으로 들어 갈 수 있는 빨간 우산이 만들어주는 외부와의 경계. 

최윤정의 nostalgia는 이러한 경계와 함께 공존한다. 과거의 모습들은 photography가 가지는 이미 규정되어진 것을 기록하는 성격으로, 이미 이루어지고 있으나 미완성 된듯한 현재의 모습을 painting이 가진 성격으로 풀어내어 그녀의 작품은 과거 속에 현존하는 듯 혹은 현재 속에 과거가 녹아 있는 듯한 묘한 분위기를 품고 있다. 그러한 애매함이 도리어 그녀의 정체성을 뚜렷하게 보여주고 있기 때문일까? 시선을 그녀의 작품 앞에 머물도록 하는 아이러니를 발휘한다.
 ■ 김정민

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함명수展 / HAMMYUNGSU / 咸明洙 / painting

2008_1129 ▶ 2008_1218 / 월요일 휴관

 
함명수_Book_캔버스에 유채_89.4×130.3cm_2006~2008

● 위 이미지를 클릭하면 이미지 속닥속닥 Vol.080619g | 함명수展으로 갑니다.




초대일시_2008_1211_목요일_05:00pm

스페이스향리 기획초대展

관람시간 / 11:00am~7:00pm / 월요일 휴관





가회동60 스페이스 향리
GAHOEDONG60 space HYANGLI
서울 종로구 가회동 60번지
Tel. +82.2.3673.0585
www.hyangli.com






 
회화의 방법적인 문제가 캔버스 밖으로 확장되고, 붓을 떠난 회화들이 등장하는 현대 미술계에서 함명수의 회화는 독자적인 면모를 보여준다. 현대 회화가 캔버스를 하나의 경계 혹은 ‘진부’한 것, ‘억압’의 틀로 간주하고, 예를 들어 사진이 가진 극 사실적 효과를 끌어들이는 등 타 장르와의 교류를 통해 끊임없이 캔버스라는 틀 밖으로 나가기 위해 시도를 하고 있는 것에 작가는 관심이 없어 보인다. 방법론적인 관점에서 함명수의 회화는 오히려 붓의 터치와 색상의 탐구에 ‘집착’하는, 회화의 근본에 충실한 경향을 보인다. 형식적인 면에 있어 붓의 터치를 이용하여 시각적 효과를 극대화하는 작가는 ‘인상파적’ 접근 방식과 유사한 면모를 보이나, 드러나는 기표적 특성만으로 작품을 판단한다면 작가의 의도를 오해할 수도 있다.


 

함명수_Bomb_캔버스에 유채_91×116.8cm_2008



함명수_Pistol_캔버스에 유채_112.1×162.2cm_2008

작가는 창조자로서 작가 자신과 대상으로 간주되는 창조물로서의 회화에 객관적인 거리를 두는 듯 하다. 작가는 그린다는 행위에 있어 소재에 집착하여 소재의 물성, 주관성에 초점을 두기 보다 소재를 시각화 하는 방법론에 더욱더 관심을 기울인다. 함명수에게 그림의 소재는 그야말로 하나의 대상이며 작가가 회화의 본질적 요소를 탐구하는 데에 필요한 하나의 물질인 것이다. 그는 작가 노트에서 ‘세상과 호흡하며 어떤 대상을 충분히 기록, 재현할 수 있으리라 믿지만 작업을 실행할수록 그림의 존재, 회화의 현실을 직시하고 자각하게 되는 것 같다. 이것이 사물을 그리기보다는 터치들을 그리게 된 이유이다. 회화에 있어서 터치와 색채는 그림의 존재이며 본질적인 요소로 생각하고 있다.’라고 말한다.


 
함명수_Skeleton_캔버스에 유채_162.2×130.3cm_2008


세필로 캔버스를 매워가며 이루어지는 작가가 회화의 본질로 간주하는 터치와 색채에 대한 끈질기고 집요한 연구는 자화상, 초 등 전통적인 소재로부터 건축물, 채석장, 민들레, 달, 해골, 자동차, 권총 등에 이르기까지 현대적 소재를 넘나든다. 그림에 형상화되는 카테고리화 될 수 없는 폭넓은 오브제 선택에 대한 해석은 유동적인 관점에서 관람자의 자유의지에 맡겨질 수도 있다. 그러나 회화의 표면에서 드러나는 뜨개실의 보푸라기 같은 마띠에르는 고요하고 엄숙한 슬로우 무브먼트의 흔적이며 붓 터치들은 고스란히 시간의 흔적이 된다. 작가는 회화의 진행을 이야기 할 때 ‘그린다’라는 단어 대신 ‘올린다’라는 표현을 자주 쓴다. 이것은 캔버스 위에 물감을 여러 번을 겹쳐 그리는 것을 빗대어 하는 말로 마치 여러 장의 레이어를 한 겹 한 겹 포개어 올리는 듯한 과정을 의미한다. 마치 실험실에서 여러 표본을 탐구하듯 작가는 서로 다른 소재가 담긴 여러 개의 캔버스를 열거하고, 이 작품들의 병렬적 진행을 군무적 형태로 서서히 완성시킨다. 이 과정에서 함명수는 ‘대상의 의미보다는 그림 그 자체의 변주와 증식(작가 노트 중)’에 흥미를 느끼며, 반복적인 듯 보이나 결코 기계적 균일한 반복이 아닌 이 붓 터치들은 평면의 캔버스에 입체감, 공간감을 부여하면서 회화의 본질에 대한 작가의 심층적 연구를 고스란히 반영한다. ■ 김윤경


 
함명수_Volkswagen_캔버스에 유채_112.1×162.2cm_2008


In the art world where the methodology of painting is expanding beyond the canvas and the brush, the paintings by Ham Myungsu stand out because of their certain unique characteristics. Ham seems to pay no attention to the fact that contemporary painting has decided to regard the canvas as a boundary, something ‘trite’ or a ‘framework of oppression’ and thus constantly making attempts to escape it by interacting with other genres such as importing the hyperrealistic elements of photography. From a methodological standpoint Ham’s paintings are very true to the roots of painting, almost obsessively studying the textures and colors of brush strokes. In terms of technique, Ham’s approach may seem similar to that of the impressionists for the fact that he uses the brush strokes to maximize visual impact, but only taking the signified to perceive his works would be to misinterpret his intentions. ● Ham seems to place an objective distance between himself as a creator and his paintings as his creations. In the act of painting, he is more interested in the process of visualizing the subject rather than to focus on its property or subjectivity, to the point of obsession. To Ham Myungsu, the subject of his paintings are nothing more than just subjects, a matter serving only for him to study the fundamental aspects of painting. On his note, Ham writes, “Breathing with the world, I believe that I can document and reproduce something well enough, but as I go along I realize and I face the reality of painting and its existence. This is why I came to paint not things but strokes. I think that in painting, the strokes and the color is its existence and its essence.” ● The assiduous, tenacious studies of what Ham considers as the essence of painting-strokes and colors-with which he fills the canvas, in thin strokes, its subjects running the gamut from traditional, such as self-portraits and candles, to modern, such as architecture, quarries, chrysanthemums, the moon, skulls, cars, and guns. The interpretation of wide, uncategorizable selection of objects depicted in Ham’s paintings can be placed in the viewer’s hands to be seen from a flexible viewpoint. However, the fuzzy ‘matiere’ on the surface of the painting, resembling that of a knitting yarn, is a trace of silent and solemn ‘slow movement’ and the brush strokes become the remains of time, wholly intact. ● When referring to the progress of his work Ham uses the expression ‘stacking’ more often than ‘painting’. This exemplifies the process of painting over and over on the same surface, as if stacking layers and layers of paint on the canvas. Just as though he were in a laboratory mulling over different specimens, he lists the numerous canvasses depicting different subjects, progressing laterally, perfecting them in a formation. Along the way, Ham is drawn to “variation and proliferation of painting itself rather than the meaning of what is drawn(according to his note)”; seemingly repetitive but anything but mechanical brush strokes allow the flat surface of the canvas three-dimensional and spatial facets, thereby reverberating in full Ham’s profound research of the intrinsic nature of painting. ■ KIMYUNKYONG

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